‘Una semana en el motor de un autobús. La historia del disco que casi acaba con Los Planetas’ es el libro que Nando Cruz escribió para la colección de la editorial Lengua de Trapo, dedicada a contar la historia detrás de discos míticos y significativos de la música. En este, como su propio nombre indica, se habla de Los Planetas y de su tercer disco, ‘Una semana en el motor de un autobús’ (RCA-BMG 1998). Un enorme trabajo, considerado por muchos como el mejor de la banda granadina. No en vano, la revista Rockdelux lo situó en una lista como segundo mejor disco de los 90’s. Ahí es nada.

¿Y cómo empieza este LP? Pues lo hace con una tremenda ráfaga de batería a cargo de Eric Jiménez. Incesante y tronante repicar de rítmica pegante. Un riff de guitarra que llega a sonar familiar ya la primera vez que lo escuchas. Crepitante línea de bajo como sustento y colchón de la melodía. “Sentado esperando a qué llames. Rezando por qué des una señal. Los días cada vez van más despacio. Y solamente puedo esperar”. Canta la voz de J, más clara y clarificante que nunca. La letra duele con escucharla. El resentimiento podría recogerse en cubos con lo que rezuma de esta lírica. Todo esto es Segundo Premio. Primer sencillo de este espléndido ‘Una semana en el motor de un autobús’. Y pasados los años, este tema continua siendo uno de aquellos himnos generacionales. El tipo de canción con el que desprender un gemido, entre gutural y poco masculinizado, cada vez que suenan sus primeros compases en algún concierto de los granadinos.

Su belleza radia en el conjunto. En su potencia sonora y su determinación. Pero la letra es la que la hace traspasar la frontera de la perpetuidad después del mero sencillo. La rabia dirigida y focalizada a aquella que ha osado abandonarnos. El desespero por no tener noticias y aprender a hacerse a la idea que esto se ha acabado. El “me has dejado, estoy jodido, pero llegará una grandioso día donde te arrepientas” que recientemente soltaba Loquillo en medio de una entrevista. Una vez leí a un gran músico decir que esta era la mejor letra del pop español. Tomé estas palabras y las asumí sin pensarlo demasiado. Porqué es de aquellas canciones que persisten en el imaginario de tantos. De la que se hacen versiones posteriores otorgándole la condición de clásico. Una de las mejores y más conseguidas es la versión ranchera que Miqui Puig y su Conjunto Eléctrico hicieron de ella, incluyéndola en el disco ‘Miope’ (Sinnamon records, 2007).

Pero a veces, sólo a veces, te das de bruces con la fría realidad. En el libro de Nando Cruz que se menciona al principio hay un capítulo específico para Segundo Premio. ¿Y saben qué? Pues Jota no hablaba de desamor. No hay despecho, ni ninguna chica que algún día se arrepentirá de haberse ido. No. La letra está dirigida a Florent, guitarrista y media alma de Los Planetas, que por la época de gestación de este disco, se encontraba en medio de una fuerte adicción a las drogas. Su presencia en los ensayos era casi nula y su continuidad en la banda corría serio peligro. Fruto del sinsabor y de la constante sensación de desaparición por parte del guitarra, el cantante granadino escribió aquellas líneas pensando en él.

Velo al suelo. Ojos como platos. Temor y estupefacción. ¿Qué hace uno cuando se le rompe un mito que ha defendido durante años? ¿Qué decir a todos aquellos (y aquellas) a los que se les puso esta canción llenándose uno la boca con posturas masculinas heroicas frente al desamor? Hay que recomponer los lazos emocionales. Abandonarse a la pureza del pop como discurso generacional. Reconstruir las bastidas hechas añicos y disfrutar con la grandeza de las cosas que no resultan obvias.

Hay pocas cosas que me resulten más divertidas que encontrar coincidencias entre artistas difíciles de relacionar. Un ejemplo es el visto en Taylor Hawkins, batería de Foo Fighters que en su día fue miembro de la banda de…¡Alanis Morrisette! Casos como este hay mil más, pero la protagonista de hoy es una cantautora que con apenas 21 años ya tiene un notable historial de “contacto” (a diferentes niveles) con grupos de renombre. Estamos hablando de Laura Marling, aquella preciosa artista de Hampshire que nos brindó recientemente “A Creature I Don’t Know” y que ha tenido una relación bastante íntima con los integrantes de Noah & The Whale y Mumford and Sons.

Marling se mudó a Londres a temprana edad para perseguir un único sueño: crear su propia carrera en solitario. Tras coincidir en diversas ocasiones con los miembros de Noah and the Whale, y compartir escenario con ellos, Laura acabó formando parte de la famosa banda de Charlie Fink. Durante los apenas dos años en los que estuvo con ellos, Laura aportó su granito de arena como vocalista secundaria en “Peaceful, the World Lays Me Down”, álbum debut de NATW que vió la luz en 2008. Tras empezar un idilio formal con Fink, Marling abandonó el conjunto para seguir con su aventura en solitario. Al poco de abandonar a los Noahs, también lo dejó con el frontman de la banda.

Ese momento de transición le hizo acabar conociendo a Marcus, cantante de Mumford & Sons con el que empezó a salir casi de forma inminente. Su noviazgo no se extendió mucho en el tiempo pero se gestó tal buena relación entre ambas partes que Laura ha sido invitada a subir al escenario con M&S en diversas ocasiones. Una de las últimas sucedió en octubre del año pasado en Londres. Marcus y Laura interpretaron, conjuntamente, una versión de la archiconocida ‘Jolene’ de Dolly Parton.

Spinner se atrevió a preguntar recientemente a Laura Marling por su actual relación con los miembros de Mumford & Sons y Noah & The Whale. La respuesta fue bastante clara y concisa: “ya no solemos tocar juntos. Residimos todos en cierta zona del oeste de Londres. De hecho de vez en cuando nos vemos, pero ya no somos tan despreocupados. Ahora todo es un poco profesional.” . afirmaba la artista. “Todo el mundo está haciendo lo que quiere hacer, que es ganarnos la vida con la música. Cuando eramos más jovenes todos tocábamos juntos porque no teníamos dinero. Compartíamos las mismas facturas, las mismas furgonetas y los mismos apartamentos. Fue muy divertido y estuvo genial. Trabajar con Noah and The Whale fue una experiencia de lo más placentera. Para mí era como formar parte de mi banda favorita y no tener la presión de ser una figura líder. Dejar de estar con ellos fue un gran y triste paso para mí. Incluso aún lo es ahora”.

Es cuanto menos curioso ver cuanto ha llegado a vivir la británica con tan temprana edad. En apenas 21 años, la cantautora ya ha editado editado 3 álbumes en solitario, contribuído en 1 álbum memorable (“Peaceful, the World Lays Me Down”) e íncluso ha tenido tiempo para ennoviarse con dos de los cantantes más buscados del Reino Unido. ¿Qué será lo siguiente para Laura Marling? Esta mujer ha nacido para correr. Definitivamente.

Sabemos que el título de este post tiende un tanto al engaño pero esa idea de “orgía musical” es la que se nos ha venido rapidamente a la cabeza al pensar en Notes From Home, una serie de directos que se están realizando de forma regular en las moradas de melómanos del área de Seattle (Washington). Esta iniciativa la crearon Tyler Kalberg, Dylan Priest y Zach Varnell en 2010 con la intención de aclimatar las actuaciones de los artistas a un escenario alejado de los núcleos de frialdad, alcoholismo y cháchara en los que se suelen mover más este tipo de eventos.

El funcionamiento de estas sesiones es muy sencillo: la gente residente en la zona de Seattle ofrece su casa vía email, Tyler, Dylan y Zach escogen una que se adapte a las condiciones del show y…¡pam! En apenas unos días uno de ellos podrá contar con el directo en su propio salón de de tres (no una, ¡tres!) de las bandas más reputadas de ese área de Estados Unidos. The Head and The Heart, Damien Jurado, Joshua Morrison o Trespassers William han sido sólo algunos de los reconocidos artistas que han tocado en los hogares de aquellos seguidores que han sido tocados por la diosa fortuna.

¿Para cuando una propuesta musical de este estilo en nuestras ciudades?¿Acaso no creéis que sería divertido contar con una cálida actuación de Cyan, Her Only Presence, The Right Ons o Sidonie en nuestros propios hogares? Ojalá alguien lo mueva, podría ser la bomba.

Os dejamos con el directo que realizaron Drew Grow & The Pastors’ Wives, Kelly Schaefer y The Head and The Heart (con tema inédito incluído en el 04:25) en la primera actuación de estas sesiones. ¡A disfrutar con las orgías!

Nota: Si entráis en el apartado de Audio de la sesión de The Head and The Heart podréis escuchar tres temas que no se ven en las sesiones de vídeo. La interpretación de ‘Honey Come Home’ es sublime.

Web | Notes From Home

Foto | Robertsen Ashman

Las covers son algo común entre artistas que quieren dar su toque, su versión de un tema ya conocido (aunque no tiene por qué serlo), ya sea por intereses comerciales o por propia iniciativa. La cosa cambia sustancialmente cuando estas versiones son realizadas por un coro femenino de más de veinte componentes, y incluso cambia aún más cuando versionan temas de Nirvana, Rammstein, Foo Fighters, U2, Coldplay, Metallica, entre otros.

Scala & Kolacny Brothers es el nombre de esta formación coral belga que lleva más de quince años en activo, ofreciendo su directo por todo el mundo. De Estados Unidos a Canadá, pasando por Alemania, Italia o España (donde colgaron el cartel de sold out en dos conciertos consecutivos en Junio) se han ido paseando estas voces angelicales que interpretan con mucho sentimiento algunos de los clásicos más importantes del rock de todos los tiempos. El año pasado, su versión del tema Creep de la banda de rock alternativo británica Radiohead fue usada en el tráiler de la película sobre el nacimiento de Facebook, La Red Social, reproducida millones de veces en cines, televisiones, y páginas web. Por otro lado, su versión del clásico de los también británicos The Police, Every Breath You Take, aparece en un reciente anuncio de la Obra Social de un banco catalán. Haciendo gala de una perfecta harmonía de voces que se unen al sonido de un envolvente piano, esta curiosa formación ha cautivado a miles de espectadores a su paso, y su disco homónimo, aterrizó en nuestro país este verano. La coral ya tiene la continuación de su gira cerrada hasta mediados de 2012, con un concierto en Irlanda, diez en Alemania y otros diez en su país de origen.

Hace relativamente poco que salió a la venta “American Desperado”, libro en el que se retrata la vida de Jon Roberts, narcotraficante relacionado con el cartel de Medellín (Colombia) que operaba en el aréa de Miami y que vió transformada su vida al 100% cuando empezó a colaborar con el gobierno federal. En esta apasionante autobiografía, co-escrita con el periodista Evan Wright, Roberts relata con todo lujo de detalles como ayudó en su día a que Jimi Hendrix no fuese secuestrado por la mafia italiana.

Todo esto sucedió un año antes de que Hendrix falleciese (1970). Fue justo de una actuación en Woodstock que Jimi fue abducido por los pistoleros de la mafia en Nueva York, mientras el artista se encontraba tratando de concretar un acuerdo con un sello discográfico. Una parte de la historia señala que uno de los captores fue “John Riccobono”, sobrenombre que utilizaba Roberts a final de la década de los 60 y que llevó al narco a conseguir hacerse con el poder de un club importante de Manhattan llamado Salvation. Aún y así Roberts relata en el libro que este ayudó a Hendrix a escapar de la mafia un par de veces.

“Cuando controlas un club nocturno, siempre sientes la presión de la policia. La licencia de licor les da automaticamente una razón para entrar en tu sitio y echar un vistazo a todo lo que posees. En un sólo año de llevar el negocio, Andy y yo empezamos a notar mucho agobio – no tanto de los policias de Nueva York, a los que siempre podíamos sobornar, no. El FBI era quién nos perseguía. Dos incidentes les hizo estar encima nuestro.

Se me relacionó con el secuestro de Jimi tras un día que Jimi fue obligado a salir de Salvation con unos tíos. Un tiempo después diversa gente me acusó de haberlo secuestrado. Ellos decían que tenía relación con los secuestradores que ataron a Jimi a una silla y que lo forzaron a meterse heroína. Por favor… Nadie tenía que haber obligado a Jimi a meterse nada. Sólo se lo tenías que dar y él mismo se lo inyectaba. Era el propio Jimi quién se metió en problemas buscando drogas. Andy y yo fuímos quienes le ayudamos a salir de todo eso.”

Para leer el texto completo tan sólo tenéis que entrar en la web de Rolling Stone.

Fuente | Rollingstone

El año aún no ha acabado en materia cinematográfica; en cuestión de un mes y medio (28 de diciembre) se estrena en España “Drive”, film dirigido por Nicolas Winding Refn que está erigiendose como uno de los peliculones de 2011. Una dirección impecable, interpretaciones majestuosas… todo parece funcionar de forma óptima en un largometraje que, como no podía ser de otra manera, también ha contado con una banda sonora de excepción. Lo curioso del tema es que el creador de dicha BSO ha sido Cliff Martinez, antiguo batería de Captain Beefheart y ¡Red Hot Chili Peppers!.

Antes de meterse a trabajar de forma definitiva en el mundo cinematográfico, Cliff colaboró con el grupo de Anthony Kiedis en la epoca comprendida entre el homónimo “The Red Hot Chili Peppers” (1983) y “Freaky Styley” (1985). La cosa no fue a más debido al rechazo que vivió el propio Martinez por parte del resto de miembros del conjunto. Hillel Slovak, Flea y Kiedis alegaron por entonces que “el corazón del batería ya no estaba con la banda” por lo que no dudaron en darle portazo en un abrir y cerrar de ojos.

A partir de su aventura en diversas bandas de rock, Martinez decidió meterse de lleno en la producción de bandas sonoras de películas. Inicialmente, al estar habituado unicamente a su rol de batería, le costó encontrar el punto pero Martinez fue mejorando su discografía poco a poco. Su experiencia a nivel compositivo, disfrutable en films como “Traffic”, “Solaris” o “Wicker Park” (conocida en España como “Obsesión”), se ha elevado a un nuevo nivel gracias a una banda sonora como la de “Drive” que dista mucho del mundo rockero en el que se introdujo en primer término. Sintetizadores y melodías cercanas a los años 80 complementan de forma perfecta la violenta atmósfera de sangre, sudor y gasolina que ha descrito el director danés.

Que vaya con cuidado Trent Reznor, parece que otro rockero de pro será también un firme candidato para la próxima edición de la gala de los Oscars. La cosa estará disputada, muy disputada.

Preview del score de “Drive”:

Fuente | Spinner

Si alguna vez has querido ver grabaciones -posiblemente a través de Youtube- de aquel concierto que tan buenos recuerdos te trae -o aquel que lamentablemente te perdiste-, probablemente te habrás dado cuenta de que no siempre encuentras lo que quieres: a veces hay muchas opciones -a cada cual más penosa-, a veces no hay ninguna -y seguramente no será por que el video no esté colgado, sino porque quien lo colgó no supo editarlo para hacer fácil su búsqueda-.

En un intento por facilitarnos a todos las cosas, y siguiendo el hilo de tantas páginas Web que recopilan películas, capítulos de series y programas de televisión, nace SwitchCam, un nuevo servicio que, a modo de base de datos, categoriza por artista y concierto todas las grabaciones disponibles, desde múltiples ángulos en ocasiones, y siguiendo el orden en que sonaron en directo. Aunque de momento la base de datos no es demasiado extensa, la cosa promete, y mucho. Os dejamos un enlace para que le echéis un vistazo hoy mismo: Switchcam.com/

Al empezar a reproducir un vídeo/canción, el resto se enlaza automáticamente, para que lo único que tengamos que hacer sea subir el volumen y disfrutar.

Es aquella sensación de plantas del pie no tocando el suelo, un punto de estomacal, de sensación esférica en el sonido. Hay algo magnético en la melodía, cierta sensación de apego creada al instante. Magnificencias del pop, de la canción en el punto exacto que te atrapa, sin acertar a describir exactamente el qué.

A veces pasa. Con tótems de la escena o con pequeñas bandas a las que gusta ver crecer. Como Illa Carolina, joven formación catalana que con sólo dos demos en formato EP, y con primer disco oficial por publicar, apuntan maneras. Avisamos ahora, con tiempo. Luego no quieran subirse al carro cuando éste ya haya despegado. Illa Carolina vienen apadrinados por el sello LAV Records, sinónimo de educación sentimental y musical de muy buenas formas. Al frente de la banda encontramos a Carolina Badillo, que acompaña sus traviesas maneras con voz firme y tablas encima del escenario. Luego Aleix Prats, Dani Zapata y Santi Ciurans acaban de conformar una formación clásica.

Pop en el fondo, rock en las formas actitudinales, artesanía en la producción. Canciones sencillas, directas, líneas de guitarra penetrantes. Escenarios con gente bien vestida, público con el puño en alto para reverenciar la autenticidad. Los paisajes cromados de Twin Peaks como trasfondo sonoro. Respeto a los clásicos, a los que ya vinieron antes y nos enseñaron a amar las canciones bellas. Illa Carolina basa sus principios descritos en pro de la cercanía, hasta cierto punto la crudeza, de un sonido con carácter. Pulcritud en las formas, contundencia en la ejecución, como los hombres de origen italiano que sentados delante de manteles a cuadros, en alguna terraza de alguna pizzería de New Jersey. Todo ello puede comprobarse en Demo #2, que acaban de hacer público y que podemos escuchar en su Myspace oficial. De éste destacar temas como ‘Diane’, donde hay notas crudas, reverberaciones y adorable oscuridad. Como si Ian Curtis llevara faldilla y hablara catalán central. También su single ‘No serveix de res fer-se el llit’, donde todo parece tan bien puesto y a uno le apetece salir a la calle a pedir explicaciones. Destacar, finalmente, ‘La cursa d’honor’, sucesión de ritmos sintetizados y guitarras de plomo que hacen sentir cierta sensación de qué sí, con aquel punto estomacal.

Cuando se han cumplido cuarenta años de la muerte de Jim Morrison y su cara vuelve a copar las portadas de las principales cabeceras musicales toca preguntarse, ¿descanse en paz?

Cada año, a principios de julio, aparece esa icónica foto en blanco y negro de Morrison mirando directo a la cámara en alguna revista, una instantánea captada casi por azar cuando ya terminaba la sesión. Cada año llega la historia definitiva de The Doors, lo nunca contado de Jim Morrison, las últimas horas del Rey Lagarto, lo que te perdiste, lo que de verdad sucedió…Siempre lo mismo.

A pesar de ser mitómana y lectora empedernida de este tipo de artículos retrospectivos, llega un punto en el que toda información se vuelve redundante. Y más teniendo en cuenta si –como en este caso-, la figura ya ha sido explorada y explotada por todos los ángulos. ¿Es realmente necesario que cada X tiempo las revistas de referencia se paren en el tiempo para volver sobre una historia que está más que contada?

En mi caso, me siento obligada a trasladar la pregunta, puesto que soy incapaz de ser tajante. Por una parte, pienso que historias como la de Morrison revolotean sobre un punto muerto, en el que ya casi rozamos el morbo –qué llevaba la noche que murió, cómo se encontró su cádaver en la bañera-. Al final parece que le estén haciendo un flaco favor a su música y prime la importancia de esa figura fantasmagórica. Además, hay un montón de buenas historias ahí fuera que también deberían tener sus quince minutos de gloria; eso sin contar la cantidad de nueva música y nuevos grupos que empujan con fuerza para optar a esos artículos extensos. Parece que siempre rememoremos la vida y muerte de las mismas cuatro figuras: Morrison, Curtis, Lennon, Cobain… Todos ellos sin duda genios que merecen estar en esas portadas, pero, ¿hasta cuándo? Y ¿a qué precio?. Está claro que son personajes con un alto magnetismo y cuya carreras musicales se merecen estar en lo más alto. Pero hay parte de “culpa” de la prensa en ensalzar siempre a los mismos, seguro. Como un pez que se muerde la cola.

Sin embargo, ¿qué es lo que permite que nueva generaciones –sobretodo las que no tienen unos padres aficionados a la música o ningún herman@ mayor- conozcan la música que no es de su generación? Creo firmemente en la función de revistas como Rock Classic, Mojo o Uncut, con sus reportajes en profundidad –quién tuviera los medios y el tiempo- sobre esas bandas del ¿pasado?. Gracias a estos, podemos indagar en la historia de esos grupos, conocer otros artista coetaneos y adentrarnos en su música, que de otra manera sería menos accesible (con los medios de hoy en día esta parte suena ridícula) o nos haría “más pereza” quizá.

Así que sí, queremos historias, pero las queremos variadas. Queremos saber más cosas de Harry Nilsson, de John Martyn o de Hank Williams, por citar los tres primeros que nos vienen a la cabeza.Y queremos saber detalles, ahondar más en su música y en sus personas. Porque al fin y al cabo, es una manera tan válida como otra –aunque quizá más romántica- de conocer más música y ampliar nuestros horizontes.

Ahora que los días se acortan y me veré obligada pronto a ponerme zapatos, pienso en los motivos que me alegrarán el otoño y sin duda, el Beefeater In-Edit es uno de ellos. Guardo las entradas de esas películas que cada año me entusiasman y después, las busco como loca para hacerme con ellas en dvd. Y es que basta echar una ojeada a las cifras de asistencia del festival barcelonés para comprobar el auge de este tipo de documental en los últimos cinco años. Lo de grabar grandes documentales musicales ya no se reserva solo a la BBC sobre el origen del rock –por cierto, una colección muy recomendable y educativa- o el blues o los sobadísimos pases de Woodstock ’69. Ahora solo se necesita una cámara compacta, una buena idea y tela para cortar: Kings of Leon, Ottis Redding, Jay Reatard, pero también Jaime Urrutia y Raimundo Amador.

Se acabó eso de mirar siempre a fuera. ¿Qué será lo que tendran los rockumentaries que cada vez son más populares? Lo del festival Beefeater In-Edit (¿recordáis que hicimos una selección de los documentales que veremos en ese festival?), es solo un ejemplo. Pero está claro que hay público para estas propuestas. Y sino, que se lo pregunten a los organizadores del Mecal o a los cines Icaria que acogieron el estreno del documental “Pearl Jam Twenty” y que tuvieron que aumentar el número de salas y pases en los que proyectar la cinta. En mi caso debo reconocer que me apasionan los rockumentaries, si bien soy consciente a lo que me enfrento (por ej: como fan aférrima de Pearl Jam que soy, pude ver como en “PJ20” se priorizó sobre los primeros años, pasaron por épocas turbias y dolorosas casi de puntillas y muchos más detalles). Los documentales musicales cuentan historias que a menudo conocemos, pero sumergiéndote en un mar de detalles, personajes, testimonios, imágenes y audio inéditos y todo ello tratado con la seriedad de una producción cinematográfica. ¿Se puede pedir más? Es una manera de saciar tu incansable apetito por ahondar sobre tu grupo preferido o para conocer mejor otras propuestas que sonaban lejanas –por ej: Harry Nilson en el pasado In-Edit o Ian Dury.

Cuando eres fan, hay un punto en ese voyeriusmo aceptado del que no puedes pasar. No tienes “backstage pass”, no eres la groupie con la que se acostarán, ni el amigo, ni el hermano, ni el pipa ni el road manager. Entonces, ¿cómo te enteras de todos esos momentos íntimos? Y ahí reside la gracia del rockumentary; el poder mostrarnos una faceta oculta o a la que no podemos acceder. Las anécdotas, las locuras entre bambalinas, los tours infinitos, los dramas y las historias que hacen que al final, nos demos cuenta que son un atajo de personajes con las mismas frustraciones, miedos, ansias, que respiran igual que nosotros y con un enorme talento.

Suena creepy, lo sé. ¡No era mi intención! El cine siempre ha tenido una parte de función evasiva, fantástica. Y los documentales musicales combinan esa parte mágica de capturar a nuestros ídolos, pero mostrándolos con los pies sobre la tierra –sea cual sea esta. Seguramente todos pensábamos que Jose González (In-Edit ’10) era un tipo peculiar, pero al verle oler sus calcetines antes de salir a tocar ante un auditorio repleto, lo confirmó. Así que, si estáis por Barcelona a finales de octubre, no dudéis en acercaros a ver alguna de las cintas que ofrece el Beefeater In-Edit cada año: títulos diversos que aglutinan casi todos los estilos contemporáneos y con miradas puestas en el pasado y presente de la música. Además, esta semana vuelven a proyectar el documental “Pearl Jam Twenty” en varios cines y seguro que rondan muchos otros documentales, ciclos y festivales de los que todavía no he oído hablar. Así que soy toda –ojos- y oídos.