Describir a Florence Welch ya es de por sí complejo; espléndida y enigmática a partes iguales, la artista hace de su banda Florence and The Machine una extensión de sí misma. No cabe duda de que pone su ser y su alma por completo en su música, lo cual la hace personal e intransferible. El lanzamiento de ‘Lungs’ en 2009 supuso el nacimiento de un nuevo sonido, el ‘sonido Florence’; sin duda un soplo de aire fresco en el panorama pop, a veces tan atiborrado de clones. El pasado 31 de octubre lanzaba su segundo álbum ‘Ceremonials’, donde las arpas, los timbres delicados, los cascabeles y los órganos de iglesia siguen teniendo un hueco privilegiado.

Welch nos anunciaba que la oscuridad, la muerte y todo aquello que fluye del otro lado, tendría su hueco en su nueva obra. Un difícil reto para una artista caracterizada por emanar luz propia, pero que ha llevado a cabo con absoluta perfección. Florence invoca sus demonios y consigue insuflar espiritualidad y magia en cada una de las composiciones de este ‘Ceremonials’. La mística y la épica de canciones como ‘Shake it out’ cohesiona sin quererlo con las reminiscencias ‘eighties’ de temas como ‘Never let me go’, donde Eurythmics o Annie Lennox no desentonarían ni un pelo. Lo mismo pasa con ‘Lover to lover’ o ‘Breaking Down’, claros ejemplos de que en este nuevo álbum la británica ha querido experimentar nuevos campos. ‘No Light no light’, vuelve a la ceremoniosidad y el apoteosismo al que Welch nos tiene malacostumbrados, con coros que se multiplican y arreglos orquestales de lo más brillantes. Un diez para canciones como ‘Spectrum’, la cual invita al sutil movimiento de pies o ‘Seven devils’, tan tentadora como oscura. En definitiva un disco que encaja sus temas como piezas en un exquisito puzzle.

En su día Florence supo sacar partido de su éxitoso debut, y  por ello ha querido hilar fino  en esta más que digna continuación de ‘Lungs’. Apoyada en su talento se ha convertido en la diva contemporánea que es, de esas pocas que pueden presumir de garganta y enamoran al respetable. Ha definido su sonido y su camino, ahora sólo falta que afiance su evolución y no se estanque en su estilo. Ya ponemos la vista en un tercer capítulo, que dado su fulgurante éxito estamos seguro llegará.

Puntuación: 92 de 100

Parece que a los miembros de You Me At Six les ha ido más que bien aclarar sus problemas internos que casi los llevan a la separación para así sorprender con su nuevo álbum “Sinners Never Sleep”, un largo que, continuando la línea evolutiva de la banda, los ha llevado a reafirmarse en las listas de éxitos británicas.

Un año después del también exitoso “Hold Me Down”, la banda de Surrey decidió gestar su disco en Los Ángeles bajo la producción de Garth Richardson (Atreyu, Nickelback, Biffy Clyro, Rage Against The Machine…) para dar a luz a doce temas en los que la agresividad, profundidad y contundencia son algunos de los adjetivos asignables.

“Sinners Never Sleep” abre con el tema que a la vez es el primer single del álbum, “Loverboy”, que con un riff de bajo más que pegadizo desenvuelve unos estribillos potentes que continúan con el mismo estilo que ha caracterizado a la banda inglesa, que recuerdan a “Underdog”, su éxito de 2010. Continuando con la fuerza del inicio, aparece un potente “Bite My Tongue”, el segundo single del disco, la letra del cual está escrita por el cantante Josh Franceschi y critica a sus compañeros de grupo cuando se encontraban en sus peores momentos. Sus colegas no se lo tomaron a mal, puesto que han afirmado que “es una manera de ser sinceros los unos con los otros”. Hacia la mitad de la canción aparecen los gritos agresivos de Oli Sykes (Bring Me The Horizon) que elevan la canción hasta la que es, probablemente, una de las más rockeras que han compuesto hasta ahora.

“Little Death” o “This is The First Thing” demuestran la fuerza de los ingleses, con unas bases de bajo y guitarras más que cuidadas que acompañan la voz de Josh, con notas de rabia que parecen salir de sus cuerdas y de su pecho, como cortando con todos los conflictos que You Me At Six puedan haber tenido anteriormente. Posteriormente, un inicio con guitarras que recuerdan a Red Hot Chili Peppers abre el lírico “No One Does It Better” mientras que, como en todo álbum completo, un tema pausado y emotivo no puede faltar en la tracklist y ahí esta “Crash” para cubrir ese hueco.

En la mitad del compacto, “Reckless”, reaviva el ritmo con golpes secos y marcados que culminan en un melódico estribillo y conducen a otro de los temas más duros y agresivos de Sinners Never Sleep; “Time Is Money”. Para ésta ocasión han contado con la ayuda del cantante de la banda de metalcore australiana Parkway Drive, Winston McCall, que con su screamo cierra un tema que, en su inicio, tiene un regusto al sonido “Wasting Light” de Foo Fighters.

Para acabar, un sincero y pausado “Little Bit Of Truth” que precede un “tema muy burlesque” como ellos han admitido llamado “The Dilemma”, y el último detalle: “When We Were Younger”. Ésta habla sobre los problemas familiares de Josh, que se ha sincerado más que nunca en sus letras.

En definitiva, un muy buen álbum el que han presentado Josh, Matt, Chris, Max y Dan. Completo, sin huecos, dulce y ácido a la vez; una interesante propuesta para los que no conocen a la banda y para los que ya llevan tiempo con ella sonando en sus oídos.

Puntuación | 83 de 100

Quién lo iba a decir; ya han llovido más de 20 años desde que una banda de destartalados, pero brillantes músicos, juntaron sus fuerzas para probar fortuna en el mundo de la música. Ese amalgama de talento respondió desde un principio al nombre de Pearl Jam, formación que a día de hoy se ha consolidado como una de aquellas que pavimentan en oro cada paso que dan. “Ten”, “Vs”, “Vitalogy”, “No Code”… Toda esa extensa trayectoria recogida hasta el momento se ha visto resumida en “Pearl Jam Twenty”, un documental dirigido por Cameron Crowe que recopila con mayor o menor medida los “highlights” que ha vivido el grupo a lo largo de estas dos últimas décadas. Como todo film musical que se precie PJ20 también cuenta con una banda de sonora de excepción compuesta por un disco de temas en directo y otro integrado por rarezas varias.

Pese al evidente interés del primero, y más tras escuchar el potencial del ‘Release’ de Verona ’06 o el ‘Thumbing My Way’ de Seattle ’02, hay que reconocer que la mayor gracia del producto se encuentra en el segundo compacto. Nada más y nada menos que 11 son los cortes alternativos e inéditos que podemos descubrir aquí. Desde demos de Temple Of The Dog hasta piezas tan compositivamente primitivas como ‘Times Of Trouble’, el ‘Nothing As It Seems’ de Ament o la versión instrumental de ‘Of The Girl’ se entrelazan para acabar de completar una experiencia ultrasensorial. Especialmente mágica es la aportación de ‘Acoustic #1’, un corte grabado en 1991 que demuestra la tremenda capacidad emotiva que Vedder consigue transmitir con su voz en un simple arrebato melódico. Tanto en lo épico como en lo primitivo Pearl Jam siempre han sabido tallar piezas dignas de ser admiradas en una galería de arte, y esta BSO es una prueba más de la grandeza de su compacta discografía.

Puntuación | 81 de 100
Fuente | Rockzone

Tras el ciclón Viva La Vida or Death and All His Friends (2008), muchos se preguntaban si existía una mínima posibilidad de retorno, y si Coldplay volvería, con su quinto disco de estudio, al patrón de sus tres sensacionales primeros discos (Parachutes, A Rush of Blood to the Head y X&Y). Para decepción de todos ellos, el cuarteto de Chris Martin presentó hace algunos días Mylo Xyloto, tal vez el disco más luminoso de la banda, y a todas luces su mayor acercamiento al mainstream eminentemente comercial que tanto se estila últimamente entre grupos que inciaron sus carrera más o menos adentrados en el rock –véanse en este sentido casos como los de Keane, Muse, Editors…-. Pero en fin, entremos en materia:

Tras el tenue arranque instrumental de la homónima “Mylo Xyloto”, se enlaza directamente con un tema de pop rápido y vertiginoso como “Hurts Like Heaven”. Pieza de difícil símil en lo que a la carrera de Coldplay se refiere, distinto a todo lo escuchado hasta la fecha: sonará tan sorprendente para algunos como decepcionante para otros muchos. Algo similar ocurre con “Paradise”, obra épico-coral en la que Martin recupera su últimamente disimulado falsete.

Tras dos piezas más lentas como “Charlie Brown” y “Us Against the World” y un nuevo skit instrumental (“M.M.I.X”), se introduce “Everyteardrop Is A Waterfall”, el tema estrella del álbum que ya levantó su controversia hace algunos meses por su parecido con el popular himno fiestero “Ritmo de la Noche” de Mystic, aunque, todo sea dicho, la realidad es que ambos temas nacen del sample del original de Peter Allen (quien aparece en los créditos del single de Coldplay) “I G oto Rio”. Con un estilo ligeramente similar a “Viva la Vida”, desde estas líneas desearia romper una lanza a favor de esta composición, quizá alejada de lo que la mayoría esperábamos de un grupo con una discografía como la de Coldplay, pero que si la hubiese firmado cualquier otra banda menos conocida no habría generado ni una décima parte de críticas estrictamente musicales que los británicos han venido recibiendo últimamente.

Destacar, además de la por momentos electro-pop “Princess of China”, en la que Coldplay sorprende a propios y extraños contando con Rihanna como la primera participación vocal de su historia, las baladas pop “U.F.O.”, “Up In Flames” y el cierre “Up With the Birds”, quizá, los únicos paradigmas de la música con la que solían deleitarnos hace cosa de cinco años. Por cierto, sobre este último tema, si sus párrafos os suenan de algo, probablemente conozcáis “Anthem”, de Leonard Cohen.

Cierto es, no obstante, que la opinión de Viva La Vida… fue modulándose con el paso de los meses, siendo al final bastante más aceptado de lo que en un primer momento se preveía –prueba de ello fueron la multitudinaria acogida que tuvieron sus giras, pasando hasta tres veces por España en cosa de tres años –una de ellas, llenando con desastroso sonido el Estadi Olímpic de Monjuic de Barcelona-. Tal vez algo similar le ocurra a este Mylo Xyloto, pero, sinceramente, el que escribe lo ve difícil, pues no encuentra en este quinto disco la frescura que al menos aportaban singles como “Violet Hill”, “Lost!” o “Lovers in Japan”.

En cualquier caso, mientras nos dejen noches como la del pasado 26 de octubre en Madrid –en la que, por cierto, predominaron los temas clásicos de la banda-, bienvenidos sean sus experimentos y propuestas comerciales.

Puntuación: 5/10

Han pasado 8 años desde que pudimos escuchar un nuevo disco de Blink-182. Este período de tiempo no estuvo apartado en el silencio: el grupo se separó y los integrantes empezaron nuevos proyectos y así siguieron con sus vidas. No obstante, el pasado 2008 Travis Barker sufrió un accidente del que salió con heridas graves pero en el que murieron cuatro personas. Fue en ese momento en el que Tom DeLonge decidió dar un paso hacia delante visitando a su antiguo amigo. Poco más tarde, nos enterábamos de una noticia digna de portada de las revistas musicales: Blink-182 estaban de vuelta. A decir verdad, para muchos era un sueño hecho realidad –y no estamos exagerando– mientras que para otros era más bien una incógnita, pues no estaba muy claro dónde les llevaría eso musicalmente después de tantos años.

Este 2011, Hoppus, DeLonge y Barker presentan Neighborhoods, un disco que muestra una cara diferente, más oscura y madura que la que había en la esencia de sus trabajos anteriores. Para aquellos que crecimos con su música, podemos afrontar este álbum de diferentes maneras. En mi caso, no me voy a quedar estancada en el pasado criticándolo porque no es clavado a Enema of the State o a Take Off Your Pants and Jacket. Es una evolución y nadie puede culpar a tres personas con sus 30 años ya pasados de querer hablar de otras cosas que no sean irse de fiesta o temas parecidos. Es un disco experimental en el que hay todo tipo de sonidos y por eso mismo os recomiendo desde un principio que le echéis un pequeño vistazo. Hay toques de Angels & Airwaves por muchas partes, pero también los hay de Boxcar Racer, (+44) y, como no, Blink-182 de años atrás.

De esta forma, Neighborhoods empieza de una forma positiva y animada con ‘Ghost On The Dancefloor’ para dar paso más tarde a ‘Natives’, una de las mejores canciones del disco y con un rápido tempo en el que las voces de Hoppus y DeLonge se van combinando. De hecho, después de escucharla creí que hubiera sido un single perfecto, más que ‘Up All Night’, de la que ya hablamos cuando salió en pasado mes de julio. Una parte curiosa del disco es la introducción a Heart’s All Gone y esta misma canción. La intro, completamente instrumental, sigue la melodía de la canción que sonará a continuación. La verdad es que esperaba alguna subida de tono por parte de Barker pero acaba siendo bastante relajada. Aún así, Heart’s All Gone es la imagen perfecta del tema que pasará a ser el favorito de muchos, pues contiene todos los ingredientes de sus primeros trabajos.

‘Wishing Well’ y ‘This Is Home’ son canciones bastante pegadizas por sus estribillos repetitivos. Aún así, en la segunda mitad del disco nos topamos con canciones aún más experimentales que las anteriores como ‘Love Is Dangerous’ en la que las dos voces principales se unen al mismo tiempo o también con ‘Fighting The Gravity’ que se basa en un sonido extraño con Hoppus al mando incluyendo un efecto de eco que se adecua perfectamente al título que le han dado. En medio de estas también hay una perla llamada ‘MH 4.18.2011’ que se une a la lista de “canciones nuevas de Blink que nos recuerdan a tiempos pasados”. Además, un dato curioso: el título significa Mark Hoppus y la fecha es el día que decidió darle nombre. Una tontería, pero fuera de lo normal y curiosa.

Como ya hemos comentado, las letras son otro mundo. La mayoría tratan de tiempos difíciles y hasta llegan a tocar el tema de la muerte. ‘Natives’, por ejemplo, es una de las más duras líricamente hablando. Asimismo, hablando en términos generales, es un buen disco. Era perfectamente previsible saber qué nos iban a tener preparado y la verdad es que no nos ha pillado por sorpresa. Tiene un sonido abstracto fuera de lo normal en ellos, pero es un comienzo hacia lo que les espera de ahora en adelante. Quién sabe, quizá para el próximo deciden centrarse en algo más concreto.

Puntuación | 71 de 100

En el 2010 nacieron algunos proyectos de electropop que por diferentes vías llegar a brillar desde el Reino Unido. Uno de ellos es Fenech-Soler, una formación natural de Northamptonshire que se empezó a gestar en 2006 pero que no generó ruído hasta finales del pasado año. ¿El motivo del movimiento en el sector mediático internacional? El lanzamiento de “Fenech-Soler”, un álbum debut homónimo que trata de conjugar las raíces electrónicas de los 80 con las tendencias más eminentemente comerciales de figuras del electropop como Foals o Friendly Fires.

La evidente tesitura edulcorada de los teclados electrónicos empleados, y de la melodía en general, consigue que algún tema como ‘Demons’ o ‘Lies’ consiga cautivar al oyente. Aún y así este disco peca tanto de una linealidad excesiva – las bases rítmicas son realmente parecidas entre tema y tema – como de apenas contar con potenciales singles. Lejos de evolucionar, el discurso del compacto se pierde de la misma manera que “The Boxer” de Kele se perdió en su momento. Falta mayor evolución melódica, mayor trabajo instrumental. Sin eso, la propuesta es como la que vemos: realmente plana, sin matices, sin pegada sonora.

Hace algunos días, Noel Gallagher aseveró que su inminente debut en solitario, titulado Noel Gallagher’s High Flying Birds -tanto el proyecto como el álbum en sí-, iba a ser un disco directo y emotivo. A falta de unos pocos días para poder encontrarlo en tiendas (su salida al mercado europeo está prevista para el próximo lunes 17 de octubre), desde Binaural podemos adelantaros que, de nuevo, a Noel no le falta razón.

Dejando claro desde estas primeras líneas que nos encontramos ante un muy buen álbum (¿tal vez uno de los mejores del año?), en la modesta opinión de quien escribe, pasamos a hablar directamente de los diez cortes que componen la versión más azucarada del mayor de los Gallagher.

Noel Gallagher’s High Flying Birds no es un disco de rock británico al uso, al menos en comparación con lo que Oasis nos tenía acostumbrados: no hay, en líneas generales, grandes riffs de guitarra eléctrica ni baterías atronadoras. Todo eso quedó atrás. En la nueva faceta de Noel Gallagher, secundado en el directo por sus paisanos Jeremy Stacey, Lenny Castro y Mike Rowe, se explota una versión preciosista y armónica, en la que predomina la guitarra de Noel, pero también el set de cuerda y el conjunto coral que le han acompañado en la grabación en Los Ángeles (The Crouch End Festival Chorus y The Wired String).

Como mencionamos antes, Noel acierta al decir que éste iba a ser un disco directo: temas como “If I Had a Gun”, “The Deaht of You and Me”, “Aka… What a Life” (tal vez la que más críticas recibirá, por su estilo algo simple) o “Aka… Broken Arrow” despegan desde la primera escucha, en gran parte gracias a su poderosa instrumentación. Con un arranque himnico (“Everybody’s On the Run”), y un primer atisbo de guitarras a la antigua usanza en el sexto tema (“(I Wanna Live In A Dream In My) Record Machine”), a más de uno le dará la impresión de que muchos temas suenan parecidos, repetitivos incluso, y quizá sea precisamente este el punto más flaco del álbum.

Aunque varias piezas guardan ciertas similitudes a “The Importance of Being Idle” o “Little By Little” (aunque ya sabemos la afición de Noel de plagiarse incluso a sí mismo), si tuviéramos que relacionar la impresión general que nos queda con Noel Gallagher’s High Flying Birds con algún álbum de Oasis, probablemente concluiríamos que, a ratos, parece una continuación del último tramo de Dig Out Your Soul (2009). Ahora bien, Noel no pretende seguir la estela de Oasis, ni aprovechar su incalculable tirón comercial: nos encontramos ante un nuevo formato, al alcance de muy pocos, en el que Noel saca a relucir su estilo personal, que en Oasis pudimos descubrir, a cuentagotas, en contadas canciones y en sus celebrados minutos en solitario en los conciertos de su antigua banda (cantando himnos como “Don’t Look Back In Anger”).

Como cierre, el esperadísimo “Stop the Clocks”, tema que ya habíamos escuchado en Oasis de forma extraoficial -fue colgado en Internet en una web de fans de Oasis en 2008-, compuesto por Noel en 2001 y originariamente previsto para el disco Don’t Believe the Truth. Para los que se queden con ganas de más (diez canciones se hacen muy cortas tras tanta espera), no podemos dejar de recomendaros el tema bonus “A Simple Game of Genius”, que podréis descargar a través de iTunes.

El de Manchester parece tenerlo claro: “Disfruté cuando tenía 26 y 27 años, estaba loco y soltero y era el grupo musical más importante de Inglaterra y ahora que soy mayor, siempre te dan mesa en los restaurantes, ves fútbol gratis y es genial“. La vida nos lleva por diferentes caminos, y todo indica que Noel parece haber encontrado el suyo.

[Puntuación: 8,5/10]

Pd. Recordad que Noel Gallagher’s High Flying Birds nos visitarán en noviembre con una única fecha en Madrid, con las todas entradas vendidas desde hace días.