Los californianos Maroon 5 han vuelto a la carga con su el que es su tercer álbum  de estudio ‘Hands All Over‘ y esperan cosechar los éxitos que les trajeron ‘Songs About Jane‘ y ‘It Won’t Be Soon Before Long‘. Y aquí una modesta servidora cree que no les será para nada complicado.

‘Hands All Over‘ sigue un hilo muy claro que hilvana todos los temas de una manera redonda y coherente. Adam Levine (cantante y compositor de la mayoría de las canciones que componen el álbum) declaró a la revista Rolling Stone que en su primer trabajo se inspiró en Stevie Wonder y en el segundo en Prince y The Police, pero en esta ocasión ha decidido trabajar miranto únicamente sus intereses y los de la banda. Esto ha llevado al grupo a un estilo que dista del característico de los anteriores, este es más pop, más funk y más único.

‘Hands All Over’ tiene un tracklist de 12 canciones oficiales a los que se pueden sumar diferentes cortes dependiendo del lugar y medio por el que se adquiera. Entre ellos, encontramos la selección de dos grandes singles, ‘Misery‘ y ‘Give A Little Love‘, con dos estilos diferentes y algunos temas que apuntan maneras para ser sus predecesoras, como ‘I Can’t Lie‘, ‘Stutter‘ o la más transgresora ‘Get Back In My Life‘.

Tal vez lo que más se eche en falta sean buenas baladas, ya que sólo podemos encontrar ‘Out Of Goodbyes‘ y ‘Just A Feeling‘, y ninguna acaba de ser gran cosa, como le pasa a ‘Runaway‘.

[Puntuación: 75/10]

1. “Misery”
2. “Give a Little More”
3. “Stutter”
4. “Don’t Know Nothing”
5. “Never Gonna Leave This Bed”
6. “I Can’t Lie”
7. “Hands All Over”
8. “How”
9. “Get Back in My Life”
10. “Just a Feeling”
11. “Runaway”
12. “Out of Goodbyes” (featuring Lady Antebellum)

‘Hands All Over’ en Spotify.

Hace ya varios meses que Brandon Flowers presentó al mundo entero el que sería el primer single del disco ‘Flamingo‘: “Crossfire“. Para todos aquellos que esperábamos con ansia la llegada de las primeras notas del líder de The Killers en solitario fue una alegría ver que no estábamos a punto de ser estafados por un nuevo frontman que quiere llenar caja por su cuenta. Lamentablemente, el miedo volvió a nosotros cuando os anticipamos aquí los primeros 45 segundos de todos los cortes que compondrían este ‘Flamingo’.

Finalmente, podemos empezar a hablar de todas las canciones que aparecen y que componen un álbum dedicado a la ciudad natal de Flowers, Las Vegas. Mi primera toma de contacto con ‘Flamingo’ fue bastante decepcionante y decidí no darle ninguna escucha más. Afortunadamente, el tener las entradas para el concierto en Barcelona y el tener que hacer la crítica me ha hecho darle una segunda oportunidad.

Sinceramente, el disco no vale la pena. Personalmente, creo que Brandon Flowers podría haber sacado mucho más partido a su voz, sus letras y su música y ofrecernos más temas al estilo “Crossfire” y que mereciesen ser los siguientes singles o al menos ser incluidas en el próximo show de los Killers. Sin embargo, encontramos las canciones que no han tenido cabida en el grupo y a los que Flowers les ha querido dar salida. De ese modo, por un lado encontramos temas como “Welcome To Fabulous Las Vegas“, “Only the Young“, “Hard Enough” y “Jilted Lovers & Broken Hearts“, que abren el álbum y esperamos encontrar en el setlist de sus próximos shows  (dado que son los más salvables) y, por el otro, “On The Floor” o “Jacksonville“, que sería mejor que olvidase de cara a estos.

Lamentablemente, tendremos que ver cómo este álbum triunfa, ya que, no nos engañemos, mayoritariamente, el público al que va dirigido ‘Flamingo’ es a las generaciones femeninas más jóvenes que van a pagar lo que sea para ver al guapo de The Killers cantando y no van a exigir mucho musicalmente. Sólo pido que el mercado musical le de una segunda oportunidad a Flowers, porque soy de esas románticas que realmente creen que puede dar mucho más de sí.

Puntuación: [50 de 100]

Tyler Hilton, artista del que os hemos hablado anteriormente, ha vuelto con un nuevo trabajo, llamado ‘Ladies & Gentlemen’, que nos abre boca mientras esperamos el lanzamiento de su próximo álbum, ‘The Storms We Share’ (verano 2010).

Algunas de las pistas que se nos presentaron el 20 de Abril (día de lanzamiento del EP) ya las conocíamos en versión acústica gracias a la consideración que tiene Tyler hacia sus fans y sus adelantos constantes de lo que será su nueva música. Las versiones que conocíamos de “I Believe In You” y “Keep On” eran acústicas, la primera incluso se incluyó en su último EP, ‘Better On Beachwood’ (2009).

Sin duda alguna, ‘Ladies & Gentlemen’ se puede dividir en tres partes. Las primeras dos canciones (“Sunset Blvd” [mi favorita] y “I Believe In You”) responden a una evolución clara del estilo de cantante folk, ya que son unos cortes mucho más trabajados instrumentalmente. A continuación tenemos lo que llamaríamos canción alimenticia, “This World Will Turn Your Way”, porque es la más pop de todas y la que seguramente tendrá que usar como single para poderse hacer un buen hueco en el panorama musical actual. Para concluir la selección, Tyler nos ofrece la nueva versión de “Keep On” y la inédita “June”, ambas corresponden al estilo encontrado en su anterior álbum “The Tracks Of” (2004) mostrando en todo momento la evolución que ha sufrido en estos 6 años de duro trabajo.

Para poder escuchar las canciones es necesario adquirir el EP en la tienda iTunes (por 2,50€ en total). Realmente, merece la pena comprarlo ya que muestra al Tyler de siempre combinado con el actual y evolucionado, siempre fiel a su estilo.

[Puntuación 7/10]

Tras dos años y medio de espera (el film fue estrenado en los Estados Unidos en noviembre de 2007) y después numerosos problemas con distribuidoras, este viernes 19 de febrero llegará a los cines españoles, por fin, I’m Not There, el aclamado “biopic” (resaltemos el entrecomillado) sobre Bob Dylan dirigo por Todd Haynes (Velvet Goldmine, Far From Heaven).

Antes de nada, y como aviso a navegantes, no podemos dejar de decir que I’m Not There no es una biomovie al uso. No es una película que, centrándose en un único personaje principal, relate o nos muestre, de manera más o menos cronológica, parte o la totalidad de la vida y obra del protagonista en cuestión. Olvidad un metraje al estilo de Walk the Line (James Mangold, 2005) o Amadeus (Miloš Forman, 1984), por poner dos joyas como ejemplo. Tampoco penséis en Last Days (Gus Van Sant, 2005). La cosa no va por ahí. I’m Not There es un proyecto mucho más experimental y complejo de lo que, aparentemente, pueda parecer desde fuera. Aquí no hay un único protagonista recreando lo mejor posible al maestro de Minessota, imitando sus gestos, forma de hablar y vivencias. En I’m Not There son seis personajes distintos interpretando seis facetas diferentes (algunas incluso bastante desconocidas) de Robert Allen Zimmerman.

El jovencísimo Marcus Carl Franklin interpreta a un particular Woody Guthrie, el famoso cantautor folk de los años 30-40, quien fue una grandísima fuente de inspiración (casi obsesiva) y, en gran medida, precursor de todos los pasos posteriores de Dylan. En el film, Guthrie nos presenta los primeros años de Dylan: las mentiras y fantasias que tuvo que ingeniarse sobre la marcha para poder llegar a Nueva York, a finales de los 50, y empezar lo que sería su apabullante carrera musical.

Christian Bale personifica dos etapas distintas de Dylan: su principio acústico (la fama inicial que obtuvo con discos como ‘Freewheelin’ Bob Dylan’ o ‘The Times They Are a-Changing’) y su crisis religiosa (el periodo de ‘Slow Train Coming’ y ‘Saved’). Como sabemos, Dylan ‘pasó’ del judaimo al cristianismo a finales de los setenta. En el film se nos muestra algo parecido.

Richard Gere es ‘Billy the Kid’, en referencia al papel que Dylan tuvo en el film de Sam Peckinpah ‘Pat Garret and Billy the Kid‘, película para la cual compuso uno de sus más famosos temas: “Knockin’ On Heaven’s Door”. El forajido, el bandido y, a su vez, el incompredido vagamundo.

Ben Whishaw recrea la controversia de Dylan como poeta y agitador, bajo el nombre de Rimbaud (en alusión al poeta homónimo). Aunque sus apariciones son casi anecdóticas, y siempre detrás de una mesa de entrevistas, da gusto oír algunas de las grandes frases de Dylan como contestación a supuestas preguntas que la vox populi le va lanzando. Por poner un ejemplo, “I accept chaos. I don’t know whether it accepts me.”

El malogrado Heath Ledger, como Robbie Clark, nos muestra la faceta más doméstica de Dylan. Un actor que encuentra la fama de la noche a la mañana y debe lidiar con esa carga encima a lo largo de sus desenfrenadas relaciones (atención a una de las escenas de sexo más intensas de los últimos años, precisamente, con Charlotte Gainsbourg, de quien os hablamos hace unas semanas). La cara más oculta del genio: el amante, el esposo y el padre.

Y, por supuesto, Cate Blanchett, perfecta una vez más en la recreación de Jude Quinn, un verdadero retrato del Dylan de mediados de los 60. La época de la controversia y la producción musical frenética. El cambio a la guitarra eléctrica en el Festival Folk de Newport, el primer tour en el Reino Unido, las jocosas entrevistas (perfectamente transcritas de la realidad), el encuentro con los Beatles, el momento ‘Judas‘, la escritura de ‘Tarántula’, las críticas, etc. Pocos son los detalles de esos intensos años que se escapan en los fragmentos en los que Blanchett acapara toda la atención. No en vano, fue galardonada por este papel con el Globo de Oro a la mejor interpretación femenina de reparto y recibió idéntica nominación en los Oscars de aquel año.

Alternando muy acertadamente el blanco y negro con colores de lo más vivos (dependiendo del personaje), Todd Hayness logra el más dificil todavía: intercalar varios protagonistas, varias vidas distintas, consiguiendo que el espectador no pierda el hilo de las historias y siga con interés el desarollo de cada una de ellas. Sin embargo, personalmente, me veo en la obligación de señalar cierta descompensación evidente entre algunos personajes: mientras que Blanchett, Ledger y Bale tienen el éxito asegurado, las historias de Carl Franklin y, sobre todo, Gere, pueden llegar a cortar el ritmo en algún momento, ya que son aspectos más puntuales de la vida de Dylan que se ven ahogados por el poder narrativo del resto.

Sobre la banda sonora, por supuesto, no podemos sino quitarnos el sombrero.  En I’m Not There suenan, como no podía ser de otra manera, canciones de Dylan. La interpretación ya es otra cosa: hay tanto versiones originales (“Stuck Inside Of Mobile With The Memphis Blues Again“, “I Want You“), como covers (“All Along the Watchtower” a cargo de Eddie Vedder and the Million Dollar Bashers, “Knockin’ on Heaven’s Door” por Antony & the Johnsons, o “I’m Not There“, la canción de ‘The Basement Tapes’ que le da nombre al film, por los Sonic Youth, son algunos ejemplos).

En definitiva, debemos afirmar que I’m Not There es un film que le encantará a todo fan de Dylan, que le apasionará a todo aquel que, además, tenga ciertas nociones de la vida y obra del trovador (he de reconocerlo, antes de leerme su biografía se me escaparon muchos detalles del metraje) y, en general, gustará a aquellos que simplemente quieran conocer más sobre uno de los artistas más importantes e influyentes del los últimos cincuenta años. Ahora bien, como hemos anticipado, si esperáis ver un biopic sencillo, claro y para todos los públicos, ésta no es vuestra película.

Puntuación 8/10

Web oficial del film.

Poco podía imaginarse la cantante y actriz Charlotte Gainsbourg (tal vez la recuerden de películas como “I’m Not There” o “Antichrist”), que el tratamiento y la operación quirúrgica a la que tuvo que someterse hace dos años para tratar hemorragia cerebral causada por un accidente practicando esquí acuático iba a servirle como fuente de inspiración para el que, por el momento, es el mejor álbum de su carrera (y, sin duda, uno de los discos a tener en cuenta de este primer trimestre de 2010).

Hija del cantautor, actor y director de cine Serge Gainsbourg, Charlotte lanzó en 1986, con sólo 15 años, su disco debut, ‘Charlotte for Ever‘, con la innegable ayuda de su padre, quien escribió casi todas las canciones del álbum. Tuvieron que pasar 20 años para que, en 2006, volviera al mundo musical con ‘5:55′, un disco para el que contó con la colaboración de artistas como Air (quienes compusieron casi todos los temas), Jarvis Cocker (que se encargó de las letras), Neil Hanon o el productor de Radiohead, Nigel Godrich.

Para este nuevo trabajo, Gainsbourg se ha aliado con Beck, el niño-prodigio del rock alternativo, quien sin duda se erige como el alma-mater de este proyecto y logra toda una genialidad al combinar de forma tan preciosista los diversos y variados géneros musicales que se agrupan en este disco. No cabe entender ‘IRM’ si no es con la mano de obra del californiano. Gainsbourg pone la idea, el sentimiento y la voz, pero Beck se encarga de todo lo demás.

‘IRM’ (siglas de Imagen por Resonancia Magnética, en francés), supone un salto abismal en la carrera musical de Gainsbourg. Cabe señalar, que aunque casi todas las canciones han sido coescritas conjuntamente con Beck, las ideas, reflexiones e imágenes que en ellas se presentan pertenecen, en su gran mayoría, a la dramática experiencia que sufrió Gainsbourg. Así pues, los trece temas que componen el álbum están repletos de simbología referente a la proximidad de la muerte, la soledad y el olvido. Sin embargo, ‘IRM’ no es un álbum que pretenda transmitir un mensaje pesadumbroso o fúnebre, sino todo lo contrario, ya que se exaltan la tendencia de su autora de ver y juzgar las cosas considerando su aspecto más favorable.

Encontramos en el álbum temas de todas las formas y colores: desde baladas folk (“Me and Jane Done”), rock (“Trick Pony” o “Vanities”) o blues (“Dandelion”), hasta ciertas aproximaciones a la chanson francesa con “Le Chat du Café Des Artistes“,  un tema originario del canadiense Jean-Pierre Ferland que nos habla en tono casi humorístico del miedo a la muerte, el olvido y el suicidio artístico para vencer el temor a la falta de inmortalidad de sus obras. Gainsbourg también tiene tiempo para alzarse como una de las grandes vocalistas del momento en temas pop como “Time for Assassins”, “Heaven Can Wait” (el primer sencillo del disco) o “La Collectionneuse”. En “Voyage”, incluso se atreve con los exóticos ritmos africanos para crear toda una serie de imágenes de puro travelling.

Sin embargo, la canción que, personalmente, más me impresionó, fue la que le da nombre al disco, “IRM“. Altamente inspirado en la técnica médica a la que Gainsbourg tuvo que someterse tras su accidente, intenta recrear los sonidos propios de la máquina mientras ésta nos explica en qué consiste su función. “Take a picture, what’s inside? Ghost imagine in my mind.“

Así pues, en conclusión, debemos decir que ‘IRM’ es uno de esos proyectos ambiciosos hasta decir basta que, en esta ocasión, sirve para proporcionar una base compositiva y lírica lo suficientemente bien trabajada como para confirmar a su protagonista como una vocalista a tener muy en cuenta, tanto si canta en inglés como en su francés natal.

[Puntuación: 9/10]

Os dejamos con el el clip del primer single del disco, ‘Heaven Can Wait’:

‘Transference‘, el séptimo larga duración de Spoon, es un álbum que no le sentará nada mal a los fans de la banda de Austin y que, a buen seguro, dada su facilidad de escucha, le acabará gustando al oyente medio que no había logrado engancharse a sus anteriores trabajos.

Tres años después de su disco más exitoso hasta la fecha, ‘Ga Ga Ga Ga Ga‘, los de Texas pulen aún más si cabe su Art rock para ofrecernos un producto muy elaborado, con un ritmo constante y sin más bajones en los once sencillos que lo componen que los irremediables silencios entre canción y canción. Desde “Before Destruction”, el tema que abre al álbum, hasta “Nobody Gets Me But You”, las melodias base de cada corte van fluyendo con la eficacia de un reloj suizo.

Hasta aquí todo bonito. Ahora bien, ‘Transference’ no es, ni de lejos, cualquiera de sus dos anteriores álbumes.  Simplemente, y pese a ser un producto bastante digno, que intenta resaltar la versión más rockera de Spoon, el disco no está a la altura. En ‘Transference’, es dificil encontrar en el disco la esencia pop de aquel ‘Gimme Fiction‘ (2005), no hay ni rastro de hits como “I Turn My Camera On” o “Sister Jack”, resulta costoso engancharse y, quizá, hay un exceso de positivimso en las letras que disipan toda la oscura atmósfera que acompañaba al grupo de Britt Daniel. Tal vez podríamos decir que la mejor virtud de ‘Transference’ es que entretiene, lo cual ya es mucho, pero teniendo en cuenta los precedentes (y las expectativas, ya que el single “Written In Reverse” transmitía buenas sensaciones), el disco sabe a poco.

(Puntuación 7/10)

Os dejamos con una interpretación de “Written In Reverse”, personalmente, la canción más pegadiza del álbum.

El octavo disco de Eels, ‘End Times‘, sabe a nostalgia, a soledad, pero sobre todo, sabe a ruptura. El “álbum del divorcio” de Mark ‘E’ Everett suena a desamor, a no saber qué hacer a continuación, suena trágico pero, a pesar de todo, suena muy, muy bien.

‘End Times’ es un trabajo altamente biográfico, centrado en los últimos meses de Everett, acorde con la reciente publicación de su autobiografía (‘Cosas que los nietos deberían saber‘, Ed. Blackie Books). Las letras, como no podía ser de otra manera, hablan de las consecuencias y los sentimientos que se quedaron mudos e, incluso, de la proximidad del fin de una vida (“She is gone and nowhere near, end times are here”, canta en End Times). La portada del disco resulta paradigmática: un anciano Mr. E se lo mira todo con ojos apagados; los catorce cortes que contiene podrían haber sido escritos a base de confesiones ante el diván de un psicólogo. Everett canta sobre ser perseguido por sus mejores días y seguir viviendo con la certeza de que todo se acaba, que no existen héroes ni amores infinitos.

En cualquier caso, las canciones andan ordenadas en un sentido casi cronológico, descubriendo tema a tema la evolución del sufrido narrador. Desde el dolor más profundo, implorando con la voz rota el regreso de su amada, hasta algunos versos que hacen presuponer que el resurgimiento es posible “I’m not yet resigned to fate, and I’m not gonna be ruled by hate. But it’s strong, and it’s filling up my days“.

En resumen, un trabajo propio de un cantautor folk, con una cuidada y sencilla composición pero con muchas genialidades intercaldas en la melancolía de cada estrofa. Un disco que hará las delicias de los seguidores de la etapa más madura de Mark Everett y que supone uno de los más bellos “discos de ruptura” de los últimos años, a la altura del “The Sparrow and the Crow” de William Fitzsimmons o del “Sea Change” de Beck.

[Puntuación 8/10]

Os dejamos a continuación con el clip de “End Times”:

Aprovechando que el próximo viernes Binaural.es no faltará a la cita con Quique González en la que el cantautor nos presentará su último trabajo, ‘Daiquiri Blues‘, en la sala Razzmatazz 2 de Barcelona, hoy os traemos una crítica-recomendación de esta pequeña joya.

Para los más despistados, Quique González es uno de los compositores y cantantes más prolíficos y respetados del panorama musical español de la última década. Nacido en 1973 en el barrio de Chamberí, Madrid, antes de dedicarse a la música intentó ser futbolista profesional, llegando incluso a jugar en el equipo cadete del Real Madrid, pero una lesión acabó por truncar su carrera deportiva. No fue, pues, hasta bien entrada su adolescencia cuando se planteó seriamente dedicarse a su gran pasión, la música. Tras aprender a tocar la guitarra y empezar a inmiscuirse en los círculos musicales de la capital, conoció a Carlos Raya, quien se convirtió en su mecenas y productor de la mayoría de sus discos.

Así, en 1998 ficha por Polygram (que fue absorbida poco después por Universal Music) y publica sus primeros discos: ‘Personal‘ (1998), ‘Salitre 48′ (2001) y ‘Pájaros Mojados‘ (2002). Tres trabajos que, a día de hoy, son consideras obras de culto por sus fans, y todo una recomendación para aquellos que no le conozcan. En ellos se muestra la mejor carta de presentación de Quique: canciones pegadizas, grandes letras y un acompañamiento musical bien escogido que funciona igual de bien tanto en canciones roqueras de la vieja escuela como en los temas más propios de un cantautor al uso.

Luego, a mediados de 2003, en plena depresión musical por el auge de los triunfitos televisivos, Quique González se desvincula de la discográfica y decide continuar su carrera en solitario, lejos de las atadoras de las multinacionales y, de alguna manera, por qué no decirlo, peleando a la contra. Así, tras muchos bolos de reducido aforo, Quique lanza sus nuevos trabajos, ‘Kamikazes Enamorados’ (finales 2003) y ‘La Noche Americana’ (2005) en una discográfica creada por él mismo, Varsovia!!! Records. Estos discos, de carácter mucho más intimista, crean toda una serie de imágenes en el oyente que van desde el desamor más desgarrador hasta la alegría de algunos temas de tono casi humorístico.

Posteriormente, cansado del duro trabajo de autoproducción y de la falta de recursos suficientes, ficha por una discográfica menor, Dro Atlantic (un franquicia de Warner), con la que publica un fantástico CD/DVD llamado ‘Ajuste de Cuentas’ (2006), en el que se incluye la grabación de un concierto acústico celebrado en Madrid, contando con la colaboración de artistas como Bunbury, Jorge Drexler, Miguel Ríos o Iván Ferreiro. En 2007, Quique demuestra que no puede parar quieto mucho tiempo y estrena ‘Avería y Redención #7′, un disco que supone un regreso a sus raíces más roqueras. A finales de 2008 inicia un tour conmemorativo de sus diez años sobre los escenarios que lo lleva a tocar alrededor de toda la península.

Ahora, a finales de 2009, vuelve con ‘Daiquiri Blues‘, un disco continuísta que rebaja en gran medida la presencia de las guitarras de su anterior trabajo, en beneficio de la voz y el piano. Gran culpa de esto, posiblemente, se deba al lugar de grabación (Nashville, la meca del folk, la cuna de Elvis), a su productor, Brad Jones, y sobre todo, a su instrumentalista, Al Perkins, quien ha trabajado con mitos como Bob Dylan o los Rolling Stones. ‘Daiquiri Blues’ es un disco intimista, pulcro, de gran trabajo instrumental y de muy cuidadas letras que enervan la mejor cara de un Quique González que se postula como uno de los grandes cantautores patrios.

De la mano de Last Tour Records, González cuenta con suficiente base como para trabajar cómodo (aunque, según el propio Quique, este es uno de los trabajos más baratos de su carrera, ya que “sólo me ha costado 19.000 pavos“), a sus anchas, con un elenco de grandes músicos estadounidenses seleccionados para la causa. Y eso se nota. El disco presenta la instrumentalización más cuidada de toda su carrera, sin un flojeo ni un sólo momento en que quede por debajo de la voz de Quique. La influencia del rock de toda la vida esta más que presente en ‘Daiquiri Blues’: los instrumentos propios de la inspiración sureña, las letras mucho más entendibles que en su anterior trabajo y una voz que suena enormemente mejor que los álbumes predecesores, hacen de ‘Daiquiri Blues’ uno de los mejores discos de Quique, con momentos y matices a la altura de los grandes temas de ‘Salitre 48‘ o de ‘Pájaros Mojados‘.

Quizá, personalmente, noto una ligera falta de enganche con algunas de las canciones. Al menos a mí, algunas no han conseguido emocionarme tanto como esperaba. Tal vez la cosa mejore con las escuchas, como suele ocurrir con todos los discos, pero al menos, la primera escucha es la que marca la línea de un trabajo respecto a los anteriores. En este caso, la línea es positiva, mucho, pero como acostumbra a ocurrir con los cantautores, no siempre se puede llegar a congeniar al cien por cien con sus propuestas. En cualquier caso, desde Binaural.es os recomendamos encarecidamente una escucha a este ‘Daiquiri Blues’ (por lo que os dejamos a continuación con el videoclip de su primer single, “La luna debajo del brazo“) y, sobre todo, con alguno de sus discos clásicos.

Por otra parte, en medio del debate sobre las llamadas descargas ilegales y la subordinación del artista a la discográfica, Quique presenta otra manera de trabajar, al tiempo que afirma que “No quiero ir en una furgoneta y llegar a un concierto pensando que hay un tío tomándose un gin-tonic en cualquier parte del mundo, rascándose la barriga y ganando dinero por no hacer nada. Para mí, el que tiene que ganar la pasta es el que va en la furgoneta. Para mí, no ha sido una pose todo esto. Sé que voy a seguir grabando canciones, y si no me he bajado los pantalones hasta el día de hoy, no lo voy a hacer en adelante.“

“He ganado dinero el año pasado tocando y lo he reinvertido en esto. Me parece de justicia para la gente que lo escucha” dice González. “No voy a forrarme con Daiquiri blues, a estas alturas estaría loco. Pero es la forma de volver a ponerme en marcha. De volver a salir de gira.” Y nosotros que nos alegramos.

Videoclip oficial de “La luna debajo del brazo“

Tracklist de Daiquiri Blues

Daiquiri blues
Cuando estés en vena
Un arma precisa
Hasta que todo encaje
La luna debajo del brazo
Deslumbrado
Lo voy a derribar
Su día libre
Riesgo y altura
Nadie podrá con nosotros
Restos de stock
Anoche estuvo aquí
Algo me aleja de ti

Conciertos de la gira ‘Daiquiri Blues‘

5 de diciembre – Sala Q (Sevilla)
6 de diciembre – Sala El Tren (Granada)
12 de diciembre – Sala All The People (Segovia)
18 de diciembre – Sala Razzmatazz 2 (Barcelona)
19 de diciembre – Sala La Riviera (Madrid)
20 de dicembre – Sala La Riviera (Madrid)
22 de diciembre – Sala Mirror (Valencia)
27 de diciembre – Kafe Antzokia (Bilbao)
30 de enero – Círculo de arte (Toledo)
4 de febrero – Teatro Jovellanos (Gijón)
10 de febrero – Paraninfo de la Universidad de Alicante (Alicante)
11 de febrero – Auditorio Victor Villegas (Murcia)
20 de febrero – Teatro Victoria Eugenia (Donostia)
26 de marzo – Teatro Colón (A Coruña)
27 de marzo – Centro Cultural Caixanova (Vigo)

Fuente: Declaraciones de QG publicadas en un reportaje de ElPaís.com // Biografía extraída de la Web oficial

Ir a ver un concierto de Editors es sinónimo y garantía de pasar un muy buen rato.

Ayer noche, la banda de Birmingham presentó su último trabajo, ‘In This Light and On This Evening‘, en un Razzmatazz a rebosar. Personalmente, he de decir que su este último disco no me ha acabado de convencer. Atrás quedó la tenebrosidad de ‘The Back Room‘ y el efecto grandilocuente de ‘An End Has a Start‘. Seguramente, cansados de la ya tópica comparación con Interpol, y el por otra parte inevitable recuerdo de la influencia de Joy Division, Editors decidieron dar un cambio de rumbo con ‘In This Light and On This Evening’ que les ha llevado producir un álbum bastante elaborado a nivel compositivo, con algunos matices simfónicos muy interesantes en diversos temas, pero con una evidente pérdida de aquel gancho y esencia que les hizo ganar miles y miles de seguidores.

En cualquier caso, lo que es indudable es que Editors tiene un directo muy potente, que hace olvidar cualquier tipo de insatifacción que haya podido quedar tras las primeras escuchas del disco. Precedidos por Wintersleep y The Maccabees, dos teloneros que caldearon el ambiente con unas melodías de lo más bailables, Editors pusieron la guinda a noche que fue in crescendo desde el primer minuto. Tras introducirnos en materia con la canción que da nombre al último álbum, el hit ‘An End Has a Start’ hizo saltar y cantar a todo el allí presente. Luego, los nuevos temas se fueron sucediendo con los éxitos de siempre. No faltaron a la cita temazos como ‘Bones’, ‘Bullets’, la magnífica ‘Smokers Outside the Hospital Doors’ o ‘The Racing Rats’.

Justo antes de los bises, ‘Bricks and Mortar‘ (posiblemente, el mejor tema del nuevo disco), dejó a todos claro que la energía de Tom Smith no tiene fin y que es un artista que realmente siente su música y adora lo que hace, tanto si consigue que su voz truene por toda la sala como si se pierde danzando sobre el escenario mientras alterna la guitarra por el piano.

En el Encore, ‘Walk The Fleet Road’, la ansiada ‘Munich’, ‘Papillon’ (otro de las canciones nuevas a tener más en cuenta) y ‘Fingers in the Factories’ sirvieron para despedir al grupo, no sin antes anunciar que esperan volver pronto a pisar la capital catalana.

Una de las pocas pegas que le pongo al concierto es que no hayan tocado ‘Push Your Head Toward the Air’. Un servidor tuvo la suerte de poder verles a finales de marzo de 2008, también en Razzmatazz, y debo decir que esta canción, tocada en acústico y en solitario  por Tom Smith, fue uno de los momentos más intimistas de aquel recital, logrando que toda la sala se quedara muda durante algunos instantes. Momentos así se han perdido (no suelen tocar este single en su gira actual), y considero que es un verdadera lástima.

Por otra parte, también tengo la impresión que Editors son un grupo para ver en una sala tipo Razzmatazz, ya que se les nota particularmente cómodos en un escenario no demasiado grande y teniendo al público bien cerca. En este sentido, cuando telonearon a Iggy Pop y a R.E.M., en el Festival Dr. Loft celebrado en Empuriabrava, en julio de 2008, se les notó más ‘desganados’ (también hay que decir que ver a Editors a pleno sol es como ir al cine y ver la película con las luces encendidas).

Setlist

In This Light And On This Evening
An End Has A Start
Blood
You Don’t Know Love
Bones
Bullets
The Boxer
The Big Exit
Escape The Nest
Eat Raw Meat = Blood Drool
Smokers Outside The Hospital Doors
Like Treasure
Camera
The Racing Rats
You Are Fading
Bricks And Mortar
Walk The Fleet Road
Munich
Papillon
Fingers In The Factories

Este fin de semana he estado enfermillo en la cama y, al no poder moverme, poca música he podido escuchar. Hoy, haciendo un esfuerzo importante, me he dirigido al ordenador para hacerme con una copia de este This Is War de 30 Seconds To Mars del que tanto y tanto se había hablado. Aquí abajo os adjunto una crítica que, aviso, no creo que haga las delicias de los fans del grupo de Jared Leto.

No entiendo que es lo que ha pasado. Pocas veces he reproducido un disco y, ya desde su inicio, me he sentido tan desorientado como con este “This Is War”. Es evidente que este trabajo iba a ir un paso más allá en su busqueda hacía lo épico pero ¿desde cuando lo monumental por si solo es capaz de confeccionar algo de kilates? Demasiado envoltorio para tan poco contenido.

Como seguidor de las últimas andanzas del conjunto no puedo más que decepcionarme con este nuevo lanzamiento. Que si millones de coros por aquí, que si intros de lo más experimentales por allá,… resulta realmente dificil pararse a pensar que cosas son las que han fallado en This Is War. Mis propias teorias (con tan solo tras 2 escuchas del polémico disco) se refieren tanto a una perdida de aquellos objetivos que los encumbraron con su álbum début como a un inseguro cambio de registros que les llevasen puntualmente fuera del campo del rock alternativo (caso de la pesadisima “Hurricane” realizada conjuntamente con Kanye West). Con razón Jared Leto y los suyos sacaron “Kings And Queens” (de la cual os presentamos el mp3 y el videoclip en Binaural) y “This Is War” como temas de adelanto ya que parecen ser (junto con “Closer To The Edge”) lo único que no resulta ser infumable de todo el disco. Incluso un tema que aparentaba ser tan cálido como “100 Suns” acaba siendo nada más que un insulso tema de menos de 2 minutos que se hace largo y cansino.

This Is War es una “épica” decepción y más pensando que potencial no les faltaba para alzarse como uno de los grupos con mayor vocación a convertirse en los nuevos heroes del “arena rock”.  Otro mito caido, a saber como consiguen recompenarse de tal ostión…

Puntuación: [37 de 100]

El disco lo encontrareís por apenas 12 euros (gastos de envio incluidos) por aquí