Humean las alcantarillas con el cielo teñido de negro en Denver. Una escala de grises se apiada del ambiente a la orilla de un río, South Platte River, cuya inapreciable belleza queda engullida por las implacables fauces de la noche. Aullidos, platónico romanticismo, anhelos imposibles, infancias perdidas… Todos estos ingredientes, por decir algunos pocos, se arremolinan en el imaginario latente en la cabeza de Madeline Johnston, compositora de la escena DIY de Denver (Colorado). Como cuando Casey se ocultó bajo las sábanas, la estadounidense consigue dejarse poseer en Midwife, su proyecto 100% personal, por el desencanto y los efectos de un Diazepam en un día de perros. Sin odio ni rabia de por medio, Madeline canaliza todo sentimiento de derrota e impotencia en un reconfortante viaje “slow motion” a las nubes.
Con la ingravidez a flor de piel, Midwife ha volado alto en 2021 con “Luminol“, nuevo álbum en el que Madeline se ha dejado rodear por dos miembros de DIIV (Zachary Cole Smith, Colin Caulfield, Ben Newman), Dan Barrett (Have A Nice Life), Tucker Theodore y Angel Diaz (Vyva Melinkolya) para confeccionar su obra más redonda de las presentadas hasta la fecha. Shoegaze, post rock y dream pop se dan un sentido abrazo en un trabajo bicromático que reúne el enfoque minimalista de Harold Budd y el monumentalismo onírico de bandas realmente dispares, como Mogwai o Beach House. Con tal de conocerlo todo sobre el lánguido espíritu de “Luminol”, recientemente conseguimos que Madeline nos contestase un pequeño cuestionario compartido vía email. Las respuestas a las preguntas que pululaban por nuestras mentes, aquí:
Has hablado largo y tendido a lo largo de los años sobre el concepto del “heaven metal” (“metal del cielo”) como una forma de definir tu sonido. ¿Cómo ves o sientes que este sonido ha evolucionado desde tus inicios?
Esto empezó como una broma. Un mero juego de palabras, pero acabó siendo algo serio. Aparte de describir la música sónicamente, ese concepto también habla mucho sobre su emotivo contenido. Creo que la idea del “heaven metal” se ha conseguido redondear con este lanzamiento. Siempre había pensado que mi proyecto era demasiado oscuro para ser de un “cantante-cantautor”, y demasiado etéreo para ser llamado como algo “heavy”… “Heaven metal” está en algún lugar ahí en medio.
¿Cómo conseguiste colaborar con tres miembros de DIIV en este disco?
La verdad es que un día me decidí a enviarles un mensaje. En él les pregunté si les molaría llevarme de gira (risas). Esto lo envié en pleno invierno del año pasado, cuando aún nada estaba abierto. En este período de tiempo existió mucha polinización cruzada entre artistas, por lo que todo se sentía posible. Recuerdo que hablamos un poco sobre una potencial colaboración y envié a Cole mi tema “Promise Ring”. En ese momento tan solo constaba de piano y voz. Todo surgió de forma súper natural. Es un gran honor que pudiesen ayudarme a dar vida a esa canción.
También quería aprovechar este inciso para agradecer la labor de otros colaboradores. Me he sentido muy afortunada de poder trabajar con el productor y multi instrumentista Tucker Theodore, quien ha tocado en todos mis discos. “Luminol” también cuenta con aportaciones vocales de Angel Diaz de Vyva Melinkolya y de Dan Barrett de Have A Nice Life.
Tu último álbum se presentó como un tributo a tu fallecido amigo Colin. ¿Sientes que su presencia está aún latente en tu nueva música?
Así lo siento, especialmente cuando estoy “in the zone” en plena grabación. Colin me enseñó mucho sobre ser una artista, y también sobre creatividad, zen, caos y libertad. Su visionario proceso y su forma de ser es lo que más me llegó a inspirar, e intento trasladar eso cuando estoy trabajando. Existe tanto que quiero decir y compartir sobre él… Ojalá pudiese enseñarle lo que estoy haciendo.
¿Cuáles son los temas principales que imperan en “Luminol”?
Creo que “Luminol” toca la idea de no querer estar más aquí presente, y de poder escoger qué hacer sobre ello. Sobre vivir en un estado policial y sentir como que tu mente te está controlando. Sobre la desolación de 2020. Sobre estar en situación de control, estando fuera de control. Sobre romper el ciclo y, finalmente, sentir la resiliencia.
Has empleado la fotografía de tu madre en la portada de “Luminol”. ¿Existe algún tipo de vínculo específico entre esa portada y los temas del álbum?
Mi madre en esa foto se parece mucho a mí. Esa figura está presentada de una forma que parece relacionable a nivel universal. Siento que cualquier persona se puede sentir relacionada con ella.
Creo que es importante que esa figura esté ubicada en el borde de algo. En el borde de un cuerpo marino. Existe vacío ahí, y está reinado por el cuerpo. Espacio interno y espacio externo. Una extensión.
Hablando sobre aspectos más técnicos: ¿qué tipo de material, incluidos pedales de guitarra, has utilizado en la elaboración de temas como ‘Enemy’ o ‘Promise Ring’?
Oh, sí. ¡El instrumento principal que suena en ‘Enemy’ y ‘2020’ es un bajo-guitarra! Un bajo-guitarra conectado a mi MXR Distortion +. Es mi pedal favorito, lo conseguí para “Luminol”. Otros que toco en esos temas son Abominable Electronics Hellmouth (el MEJOR overdrive jamás hecho), Boss Metal Zone (lo adoro) y el DOD American Metal (clon del HM2). Tucker toca mucho la guitarra en esos temas también, pero no estoy segura de lo que usó porque en su día trabajamos de forma remota.
‘Promise Ring’ y ‘Christina’s World’ fueron interpretados con mi Yamaha PSR-295 como instrumento principal. Cuenta con un sonido nuevo para mí ya que generalmente uso mi piano eléctrico o un teclado Casio. Usar nuevo material siempre es divertido: ayuda a inspirar a la hora de crear nuevas canciones.
Si tuvieses que decir tres instrumentos diferentes, incluidos sintetizadores y pedales, que definan la música de Midwife… ¿Cuáles serías los que listarías?
Stratocaster. El micrófono teléfono. Pedal de overdrive. Pedal de delay.
Los micrófonos de teléfonos se han convertido en un emblema de tu sonido. ¿Qué truco empleas para que consigan sonar de forma tan reverberada?
El micrófono es básicamente el auricular receptor de un teléfono. Cuentan con ese clásico sonido de teléfono. Para conseguir mi tono de voz conecto el auricular a un overdrive y a un delay.
¿Los utilizaste para la grabación del álbum?¿Existe algún otro tipo de herramienta o recurso que emplees para concretar ese tono vocal tan etéreo?
Siempre utilizo el micrófono. Como he dicho: lo paso por overdrive y delay. El secreto real del tono de mi voz reside en la superposición de capas. Grabo cientos de capas y armonías que acaban derivando en un muro de sonido vocal totalmente reverberado. Algunas capas están más distorsionadas que otras. Existe mucho paneo, etc.
¿Cómo podrías describir el proceso creativo de una de tus canciones?
En el estudio todo empieza con las baterías. A partir de ello, todo se construye encima de esa pista. Batería, guitarras, voces, y entonces texturas y riffs. Al ganar capas y con todas las piezas juntas, la mezcla empieza a convertirse en una especie de escultura rara.
Al escuchar tu álbum sentí una conexión instantánea entre tus melodías con alguna tan clásica y sobria en términos instrumentales como es la de ‘Autorock’ de Mogwai ¿Qué relación mantienes respecto al espectro post rock y post metal que llegó pasados los dosmiles?
Cuando más me inspiré respecto a guitarras eléctricas fue cuando empecé a ensayar con el “looping”. Escuchaba mucha música post rock. Compuse sets que se sentían mucho como los momentos más tranquilos y reposados de Mogwai. Creo que ese punto temporal realmente coincidió con mi viaje con la guitarra, y a su vez con el hecho de que seguía y escuchaba esa música.
Tu música llena un pequeño vacío entre la música ambient y el shoegaze. ¿Cuál de esos dos estilos es aquel con el que te sientes más vinculada?
Definitivamente diría el ambient. He estado metida de lleno en música new age desde hace mucho tiempo, pero también adoro las cosas más recientes y la escena DIY que rodea al ambient y al noise. Me siento orgullosa de mi colección de cassettes. Algunos de mis “new agers” favoritos son Harold Budd, Brian Eno, Larajjii, Jordan De La Sierra, Ray Linch y Hiroshi Yoshimura. Algunos artistas de ambient recientes que he escuchado muchísimo son Devin Shaffer, Mark Trecka y Hoverkraft. Adoro esta música porque es introspectiva. Es extremadamente emotiva y cinemática. Te pierdes en medio del paisaje sonora. En el fondo creo que todo el mundo quiere estar en paz, y la música ambient consigue eso, aunque sea por un mero momento.
¿Cómo trasladas tu sonido a un formato en vivo?
Todo lo encaro desde una perspectiva más de cantante-cantautor. Todo suena muy crudo. Solo soy yo y mi guitarra. Lentamente he estado integrando a la ecuación loops y pistas secundarias, baterías electrónicas, etc. Pero intento que todo sea lo más simple posible para así dejar espacio a que las canciones se muestran por sí misma. De esta manera, no intento trasladar el sonido del estudio a un sonido en vivo.
Para finalizar: ¿planes para 2022?
Estaré girando el próximo año. Tengo planes para hacer una gira por Estados Unidos en primavera. También me veréis por Europa.
Fotografías: Alana Wool
